México mostraba sus rasgos
culturales y característicos al mundo gracias a la pintura, algunos de los pintores
vistos en clase son:
Primitivo Miranda
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Primitivo
Miranda, Semana Santa en Cuautitlán, 1858.
Óleo
sobre tela, 58 x 72 cm, Ciudad de México.
Museo
Nacional de Historia, Chapultepec (INAH)
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En este cuadro observamos la separación
entre Estado e Iglesia en México. La lucha por libertad de pensamiento estaba cambiando
todo el panorama de identidad mexicana. Esta pintura fue muy reconocida y
aclamada no solo por el tema representado en cuestión si no por la forma por la
que lo hizo el pintor.
Allí comparecen no sólo las
figuras procesionales que el rito devoto exigía (Cristo cargando la cruz, la
Virgen, san Juan y la Magdalena cerrando la fila), con la cruz pasionaria
labrada en piedra como resumen y término del viacrucis y el fraile predicador
conmoviendo los espíritus con su elocuencia sagrada. También ocupan su lugar el
centurión y los soldados romanos entreverados con los grotescos monigotes
enmascarados (empezando por el Cireneo que le ayuda a Cristo con la carga y que
más bien parece una figura de fantasía a la Caillot), en medio del estruendo de
trompetas y tambores. Todo al modo de un festín carnavalesco, que la
religiosidad popular demandaba, pese a prohibiciones ilustradas y reformistas
que, sucesiva e infructuosamente, pretendieran combatir y desterrar
supersticiones y fanatismos. No por acaso, el centro del primer término lo
marca la insinuante y graciosa figura de una “china” que, al tiempo que se
apoya amorosa en el hombro de su acompañante masculino, nos lanza una mirada
llena de coquetería.
Lo que le daba todavía mayor resonancia crítica a esta imagen de
una tradición popular, era el hecho de que el año anterior había estado marcado
por la promulgación de la constitución liberal de 1857 y por toda una secuela
de confrontaciones entre una Iglesia que no cedía un ápice en la defensa de sus
intereses, presuntamente lesionados por aquella legislación, y un Estado
empeñado en construir un régimen republicano moderno, a salvo de amenazas
dictatoriales y con una activa participación ciudadana (a través del poder
legislativo). En marzo de aquel año, el gobierno ordenó la jura de la nueva
Carta Magna a los empleados públicos y a los militares, la Iglesia replicó a su
vez amenazando con la excomunión a quienes hicieran el juramento, lo que
significaba perder el derecho a recibir los sacramentos (entre otros, el
matrimonio y la extremaunción). En ese clima de enfrentamiento a ultranza, la
celebración de la Semana Santa en la ciudad de México dio pie a un incidente
lamentable e insólito, que quedó registrado en la memoria popular con el nombre
de “la batalla del Jueves Santo”.
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Olga Costa
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La vendedora de frutas, 1951
Óleo sobre tela
270 x 150 Cm
Museo de Arte Moderno, México.
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Se daba a conocer la mezcla de sabores en México
gracias al cuadro “vendedora de frutas”, esta pintura data del año 1951. Este
es su cuadro más grande con medidas de 2.7 metros de ancho por 1.50 metros de
largo. La obra es tan poderosa que ha desplazado incluso a las obras de Frida
Kahlo (muy justo en mi opinión). El tiempo productivo de Olga Acosta data de
1933 hasta 1984, más de 50 años de trabajo en los que va cambiando no solo su
estilo, sino también su ideología. Ella maneja el paisaje como una metáfora abstracta
y la naturaleza muerta es realmente muerta, también hace énfasis en su interés por
los paisajes y de que el ser humano es parte de la naturaleza misma.
Olga
Costa era de nacionalidad Alemana, sin embargo logra proyectar correctamente el
clima y la luz de México en sus trabajos, lo que hace muy luminosas a la mayoría
de sus obras. Olga elige vivir en México por su fascinación del clima y también
por la falta de invierno como lo hay en su país natal. Lo que le permite
conocer a detalle a nuestro país y así poder proyectar correctamente los rasgos
y características de los elementos nacionales. Además se interesa mucho por la
cultura indígena, lo que se aprecia claramente en muchas de sus obras.
Aunque a diferencia de muchas de las pinturas de
corte político de Frida Kahlo, las de Olga son más bien de origen naturalista,
las dos compartían una ideología de izquierda. “Hoy casi no se encuentran
registros sobre Olga Costa en los archivos de Frida Kahlo, pero ellas eran
amigas”, “son las diferencias políticas entre los maridos de ambas, Diego
Rivera y José Chávez Morado, las que no permitieron que la amistad floreciera
del todo”.
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José María Obregón
La pintura, El descubrimiento del pulque,
fue una obra del pintor mexicano José María Obregón de 1869, actualmente
la puedes disfrutar en el Museo Nacional de Arte, de nuestro país. Se ubica en
una exposición permanente por lo que podrás verla casi todos los días. El
historiador Alva Ixtlixochitl nos cuenta una historia sobre esta pintura y su
origen, sin embargo menciona que esto fue hace muchos años por lo cual nada se
puede asegurar. Sin embargo esta pintura es una creación artística, hermosa y
exquisita del talento mexicano.
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El descubrimiento del pulque, 1869.
José María Obregón.
Oleo sobre tela, 189 x 230 cm.
Museo Nacional de Arte, INBA
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En una
tarde como todas, mientras Papantzin padre de Xóchitl caminaba a ladito de los
magueyales, logró distinguir que de aquella planta un extraño líquido se veía
escurrir. Curioso asomó su ojo mirón, ¡Cuidado! El ratón lo espantó, había
perforado la base y el muy travieso huyó.
Papantzin
tomó el líquido y lo llevó, era aguamiel. Pasado algunos días el líquido se
transformó, el color, la textura y el aroma, el tiempo modificó. Papantzin
bebió un poco, el sabor era distinto, ¡Ah qué rico! Murmuró, mientras su
alegría se multiplicó.
Esposa e
hija mía acompañen a su padre. Papantzin llevará a su rey aquel néctar tan
agradable.
Y el Rey
dijo: – ¡Qué delicia de bebida! ¡Qué hermosa su criatura! Papantzin quédese a
vivir, que su hija educación y atención va a recibir. Al pasar los años juntos
procrearon a Meconetzin el último rey tolteca, mejor conocido como Topiltzin.
¡Aguarde!
El pintor José María Obregón le quiere retratar, Xóchitl toma la vasija donde
el néctar reposa ya. Papantzin presenta el obsequio que aquella tarde dilucido,
Tepalcatzin en su trono, rodeado de su pueblo, escucha atento aquel relato
donde el susodicho le habla del momento fortuito en que su curiosidad le acerco
al descubrimiento del siglo, el pulque.
Alva Ixtlixochitl
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José Agustín Arrieta
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José Agustín Arrieta, China
Poblana, ca. 1840.
Oil on canvas. Private collection
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Actualmente tuve la oportunidad de verla en el
Museo del Barroco de Puebla, aunque desconozco si este era el original o una
copia.
Jose Agustin Arriesta nos trae una viva representación de la identidad
nacional, en esos tiempos era muy común retratara a las mujeres campesinas,
eran vistas como lo tradicional y el legado de nuestro país, eran una fuerte representación
cultural de México hacia otros países. Y su imagen no era tan desprestigiada o
discriminada como lo es hoy en día por muchos mexicanos.
Logra representar los colores, dimensiones,
detalles y características de los mexicanos en sus pinturas, la china poblana
que observan en la parte de arriba es una demostración de ello, su estilo de más
de retratar lo que ve y lo que sabe, no disfraza o exagera la realidad, tampoco
la embellece o modifica de alguna forma, siempre fiel a la máxima y real representación
de las cosas, de ahí radica su importancia ya que sus pinturas sirven como
registros para conocer los ambientes y tendencias de la época de la sociedad y
cultura mexicana.
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Los chinos en esa época eran como los Parias
modernos, eran muy mal vistos y repudiados por la sociedad, si bien se tenía
contacto con los mismos, era mal visto que la clase alta se relacionase con
ellos, solo la clase media y baja no era criticada por su contacto hacia estos.
Los bordados con seda china o mantones de filipinas se transformarían después en
el famoso reboso mexicano.
Pueden encontrar muchas imágenes e información sobre
este post e el Museo Internacional del Barroco, ubicado en Puebla. Si eres
poblano no tiene costo alguno pero si no lo eres el costo sería de solo $50. El
museo tiene muy buenas representaciones e instalaciones, pero hablare de el en
una entrada aparte ya que pronto lo visitare por una visita escolar.
Pasamos ahora a la fotografía, la cual si bien es
un medio de captura de imágenes no debemos olvidar que está inspirada de la
pintura, puede que su tiempo y fidelidad de reproducción sean mejores pero no
por eso deja de ser una imagen proyectada.
Como ya mencione, en esos tiempos el tema
indígena se convierte en un tema central de la pintura y de la fotografía. El
ambulantaje es algo que ha caracterizado a nuestro país desde hace mucho
tiempo. Muchos fotógrafos como Antíoco
Cruces y Luis Campa representan fielmente los rasgos de las personas que
ejercen esta actividad. Si bien en esos tiempos ya había mucha representación
del ambulantaje, profesiones, actividades y las clases sociales por medio de la
pintura, no fue sino que hasta la
fotografía decide capturar a los indígenas cuando el mexicano es fielmente
visto por el mundo.
Luis y
Antioco sí utilizaron modelos, cuidadosamente escogidos para representar a los
personajes que ejercían los más variados oficios, posando en minuciosas
recreaciones escenográficas.
Más allá de su salida comercial, que los agrupaba en colecciones y que los
convertía en souvenir
para satisfacer la curiosidad local y extranjera sobre quiénes eran los “tipos
populares mexicanos” estos registros tenían una intención clasificatoria de los
oficios y trabajos de la sociedad mexicana, a manera de los cuadros de castas;
inclusive, como muchas de esas escenas que también ilustraban las actividades
familiares, algunas de las escenas recreadas por Cruces y Campa incluían a los
miembros de la familia.
Con el perfeccionamiento de la técnica, los fotógrafos salieron a las
calles en busca de estos personajes. Nuevamente percibimos una cierta tensión
entre el costumbrismo que sitúa a los vendedores ambulantes como parte del
entorno mexicano y su insistente individualización como personajes. Es decir,
si en México el agua para el consumo era distribuida por “aguadores”, es
relativamente sencillo identificar si el aguador era de la Ciudad de México,
por su uniforme y peculiar recipiente, llamado chochocol, o era un aguador de provincia. El motivo de estas tomas y su
circulación seguía alimentando a un mercado de consumo fotográfico, que cada
vez se perfeccionaba, ya fuera a través del formato estereoscópico, que dotaba
a la fotografía de una sensación de tridimensionalidad o a través de tarjetas postales.
Otro fotógrafo
fiel a las escenas populares fue José María Lupercio, fotógrafo jalisciense de
gran trayectoria e impacto en la fotografía nacional, que dejó un amplio acervo
de imágenes de mucha importancia, tanto por su aportación estética a la
disciplina, como por su valor documental y patrimonial. Retrató los murales de
Diego Rivera y Montenegro en el Ministerio de Educación Pública, los cuadros de
Saturnino Herrán, las pinturas de Villalpando, los cuadros de Ledesma y
Montenegro para El Maestro, las decoraciones del Dr. Atl en la escuela de San
Pedro y San Pablo. Algunos ejemplos de su fotografia son:
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